Visita Cultural (fotos)

Crítica de “Kinich Ahau” (Mayas)

Descripción

“Kinich Ahau” es el dios solar de la cultura maya, para ellos éste representa la esencia espiritual del sol. Esta escultura esta hecha de cerámica, tiene una forma vertical y se presenta sostenida por una base delgada. Su exterior está formado principalmente por tres máscaras divididas por una especie de diadema o corona, sostenidas por otra máscara en la parte de abajo la cual es diferente a las tres de arriba. Las narices de las máscaras tienen una forma cuadrada y resaltan mucho debido a su tamaño. La máscara de abajo es distinta ya que tiene los ojos más grandes, su nariz se ve más realista y proporcional a la cara y tiene orejas largas. Hay dos colores presentes en la escultura, el gris y el rojo opaco que se muestra en pocas partes de la figura. Arriba se ve una corona más completa que las de abajo y se ve que la escultura estaba pegada a una superficie ya que tiene partes de ésta a sus lados.

Análisis

La escultura del “Kinich Ahau”, debido al material con el que fue hecha, es de un color frío. Las líneas que más resaltan son las de las diademas de en medio de cada máscara, las cuales son líneas verticales que comunican un sentimiento de calma. Las líneas curvas en la escultura, las cuales representan fluidez, se presentan principalmente en la parte de arriba de las diademas, lo que parece ser la boca de las máscaras. La calidad de la superficie se ve un poco rugosa, sin embargo al observarla detenidamente no es muy clara su textura. Es un objeto tridimensional con altura, anchura y profundidad. El detalle y la colocación de las figuras nos ayuda a saber más sobre su exterior. Hay un equilibrio entre los elementos del arte presentes ya que la figura es simétrica, el lado derecho es casi igual que el izquierdo y las líneas nos ayudan a darnos cuenta de esto. El énfasis o el punto de atención son los círculos de las diademas de en medio, debido a su tamaño y su colocación con respecto a la escultura completa. Existe una repetición notable ya que son tres máscaras iguales y sólo la de abajo es distinta. Las proporciones son correctas, sin embargo el tamaño de las narices de las tres máscaras de arriba están un poco fuera de lo común, pero aparte de esto la escultura completa tiene un buen tamaño y sus partes se relacionan bien con el conjunto.

Interpretación

El mensaje de la obra es transmitir el gran poder de este dios solar a todo quien vea la escultura, el “Kinich Ahau” fue un dios muy importante en la cultura maya y por esta razón deciden representarlo de esta manera. Las máscaras están relacionadas con la fertilidad y este aspecto es esencial para la vida de los humanos. Representa también el espíritu del sol, o sea la esencia divina del sol de nuestro sistema solar, ya que es el “dador de la vida” para el planeta Tierra. Es el espíritu solar de la galaxia, su poderosa presencia espiritual situada en el centro de la galaxia. Los mayas le daban el respeto que se merecía y al hacer esta escultura, ellos son capaces de transmitirnos el significado de uno de sus dioses más importantes.

Juicio

La obra es estéticamente valiosa porque fue una figura y una deidad influyente en la cultura mesoamericana más importante, la civilización maya. La teoría del emocionalismo es la más adecuada para esta escultura porque tiene cualidades expresivas, tenía un significado muy valioso para los que le rendían culto y le ofrecían sacrificios. Cumple tanto con una función religiosa como con una estética ya que los elementos del arte presentes en ella están muy bien manifestados.

(“Kinich Ahau”)

Visita Cultural

El sábado 8 de marzo del 2014 visitamos el Planetario Alfa en el cual había una exposición en el quinto piso llamada “Antiguos Mexicanos”. En ella se expusieron principalmente piezas originales pertenecientes a las civilizaciones mesoamericanas. Vimos artefactos de los Olmecas, Mayas, Teotihuacanos, Zapotecas, Huastecos, Mexicas entre otros. Los integrantes del equipo del Planetario Alfa fueron los que se encargaron de organizar la exposición, éstos planean todo lo que se expone en el museo y supervisan que éstas salgan de acuerdo a lo planeado.

La exposición escultórica presentaba distintos artefactos que pertenecían a las civilizaciones mesoamericanas de entre los periodos 1500 a.c y 1500 d.c, esto significa que en un mismo lugar, se exponen artefactos con diferencias de alrededor de 3,000 años. Los creadores de estos artefactos fueron los habitantes de una específica civilización mesoamericana, los usaban para venerar a sus dioses, para la agricultura, escritura y el uso diario. Los materiales que usaron fueron cerámica, arcilla y barro.

Tanto los Olmecas, Mayas, Teotihuacanos y demás civilizaciones antiguas, compartían costumbres y conocimientos que las distinguen tanto de los grupos que poblaron el norte como los del sur de América, por esta razón decidieron reunir y exponer tantas culturas en un mismo lugar. Precisamente esto fue lo que más nos gustó, que abarcan una gran variedad de temas y cubren un periodo muy largo. Nos gustó que expusieran lo más importante de cada civilización y la forma en la que la exposición estaba organizada nos ayudó a ubicarnos en un periodo histórico y en los aspectos que analizábamos. Esto nos ayudó a comparar las culturas entre sí y ver en qué se parecían y cuáles eran sus diferencias.

Las características artísticas que se presentaron en la exposición son principalmente como el exterior de cada artefactos y escultura se relaciona con su propósito. Cada escultura tenía un nivel de detalle complicado, sin embargo al estar hechas de obsidiana y barro, era difícil detallarlas mucho. Debido a los materiales que usaron, el color no es un aspecto que resalte mucho en la exposición. Las esculturas tienen todo tipo de líneas, dependiendo de lo que representaban, estaban las líneas trazadas. Al ser elementos tridimensionales, éstos tienen una textura real, que depende del material del cual están hechos, asimismo tienen una forma específica la cual ayuda a transmitir su mensaje. Tienen altura, anchura y profundidad y estos aspectos le dan un balance o equilibrio a la escultura, la mayoría son simétricas pero también se aprecian otras asimétricas. Tienen una proporción correcta aunque en pocas obras se exageran algunas de sus partes pero en general todas son proporcionales con el conjunto. Las más detalladas eran las esculturas de sus dioses. Aunque no eran de gran tamaño, cada una de ellas tenía una representación que se plasmaba en su exterior.

La metodología más conveniente para hacer nuestro análisis es la crítica, cada escultura está tallada y moldeada de acuerdo al propósito que debía cumplir o al mensaje que debía transmitir, por lo tanto cada uno de sus partes debe ser analizada para saber el significado de ellas. Al analizar su exterior podremos llegar a comprender una parte esencial de la cultura a la que pertenece y descifrar su intención. El resultado de nuestro análisis fue que las esculturas presentes en la exposición cumplen con funciones tanto religiosas como estéticas ya que para las civilizaciones mesoamericanas, estos artefactos y figuras formaban parte de su vida cotidiana, pero ahora éstas nos sirven no sólo para saber más sobre cada civilización sino para analizar los elementos del arte presentes en cada una de ellas y relacionarlos con su propósito.

Fotos

Virgen con el Niño

DESCRIPCIÓN 

Existen varias pinturas de la virgen con el niño, todas tienen el mismo tema, pero a la vez son diferentes. En este blog se va a describir la siguiente pintura de la época medieval. La pintura la virgen con el niño fue pintada por Lorenzetti en el año 1319, o sea en la época de la Edad Media (época teocentrica). Se puede observar que la virgen María esta viendo cariñosamente al niño con cuidado y amor. Como en esta época la religión era lo más importante todo lo relacionado historia, arquitectura y arte tiene una cercana relación con la religión. 

ANÁLISIS

Los elementos del arte que se pueden ver en la obra son el color, líneas y forma. Los colores que denominan la obra son el marrón y el café. Se pueden observar muchas líneas, por ejemplo en el rostro, que expresan ternura. También se pueden ver líneas en el cuello, que expresan tensión en el niño. Esos contraste de líneas entre Virgen tranquila y el niño tenso deja una gran curiosidad sobre que esta pasando, ¿por qué la virgen tranquila y el niño tenso? La forma de la pintura es bidimensional. Otras cualidades presentes en la obra son equilibrio y proporción.

INTERPRETACIÓN

Se puede interpretar que esta pintura fue hecha en la época medieval, durante la cual predominaban los temas religiosos. Se puede visualizar como esta pintura toma lugar en una sociedad teocéntrica, en donde la devoción era muy importante y la iglesia posee un poder político muy fuerte. La iglesia trataba de minimizar al hombre para darle poder a Dios y cualquier castigo que alguien merecía o simplemente cualquier decisión importante era impuesto por la iglesia, no por un gobierno

JUICIO

La obra se puede considerar como estéticamente valiosa porque impuso un estilo artístico y se pueden localizar muchos elementos del arte y puede sustentarse por una teoría. La teoría del “Emocionalismo”, es la que sustenta esta obra, ya que hay cualidades expresivas que son la comunicación vívida de estados de ánimo sentimientos e ideas. Esta pintura posee muchos sentimientos como la felicidad, alegría pero al mismo tiempo representa una situación tensa, la cual provoca curiosidad en los espectadores. Es por eso que podemos considerar que la obra es estéticamente valiosa.

Visita artística

El sábado 8 de febrero del 2014 visitamos el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), investigamos sobre las exposiciones que estaban en el museo y nos atrajo mucho la atención una llamada “Physis”. Gonzalo Ortega fue el que ordenó, organizó y desarrolló toda la producción de la exposición. Junto con un grupo de personas especializadas en el área, el curador Ortega fue capaz de crear el conjunto perfecto de obras y así poder transmitir el mensaje implícito en la exposición.

 “Physis” es el antecedente inmediato al concepto de Naturaleza, es la raíz griega del lenguaje que describe el crecimiento de plantas y animales. La colección esta compuesta de treinta piezas que exhiben de diferentes maneras el contacto del ser humano con la naturaleza. Entre otros autores se encuentran Ray Smith y María Sada. Los materiales de las obras principalmente son óleo sobre tela para los cuadros y arcilla para las esculturas.

           Lo que más nos gustó de la exposición fue la manera en la que las obras transmitían el mensaje de la exposición en general. Nos gustaron cómo se emplearon los elementos artísticos en cada una de las obras, en especial la combinación de colores tanto cálidos como fríos y el balance que esto brinda. Nos gustó la forma en la que las obras estaban posicionadas ya que poco a poco a lo largo de la exposición se va formando una idea, cada pintura y escultura que veíamos nos transmitía una sensación distinta y así íbamos formando una idea sobre la naturaleza y la conexión que nosotros los seres humanos tenemos con ella.

Las características artísticas presentadas en la exposición están sustentadas en los elementos y los principios del arte utilizados en cada pintura y escultura. Las dos teorías del arte que más se aplican a esta exposición son las del “formalismo” y el “emocionalismo”, ya que no hay cualidades literales en casi ninguna obra. La exposición se trata de interpretar cada obra de la manera que cada quien quiera, basados en sus propios pensamientos y en su forma de ser.

La metodología más conveniente para hacer nuestro análisis es la crítica porque los cuadros y las esculturas no aportan mucha información histórica, más bien tienen los elementos y los principios del arte necesarios para hacer la crítica. Por esta razón elegimos el método de crítica del arte, cuya función es aprender de las obras. El resultado de este análisis fue que el mensaje de la exposición era el de conectar el mundo natural con el humano, demostrar que son capaces de relacionarse pacíficamente, de convivir y no aprovecharnos de todos los beneficios que la naturaleza nos brinda, sino usarlos de manera inteligente y asegurarnos de que ésta siga viva y conservar su belleza.

Crítica de “Soljeitsyn Part de Vermont” (exposición “Physis”)

Descripción

            Esta pintura llamada Soljeitsyn Part de Vermont, cuyo artista es Ray Smith, fue hecha en el año 1994 y el material que utilizó fue óleo sobre tela. Se aprecian tanto figuras de aves como de humanos. A la derecha hay un cuerpo de una mujer pero en donde debería estar su cabeza, está la figura de un ave blanca con un cuerpo alargado. A lo largo de su pierna izquierda están otras tres aves color blanco y café, pero en lugar del pie de la mujer, se encuentra una flama, simulando una vela. El fondo es color negro con algunas plumas de las aves flotando. A la izquierda al fondo se encuentra la figura de un hombre de la tercera edad con una expresión seria, con su mano derecha sostiene una bandera roja.

Análisis

            Existe una relación de balance y color ya que se usan colores tanto cálidos como fríos, sin embargo por el fondo color negro, los colores cálidos resaltan más. El color del cuerpo de la mujer y del ave en su cabeza, los cuales están posicionados a la derecha de la pintura, hace que ésta sea asimétrica, no obstante el balance se logra usando un “peso visual” de los diferentes elementos usados en la obra. La línea más notoria es la horizontal de la pierna de la mujer, al exagerar la proporción de ésta en comparación de su cuerpo, produce un impacto visual más expresivo, siendo una proporción distorsionada. Al detallar las figuras de las aves, el artista simula la textura de sus cuerpos, asimismo se puede apreciar, gracias a esta textura simulada, la sensación de movimiento en las aves. Las figuras se superponen entre sí, con los elementos de color y espacio, se puede apreciar la posición de cada figura. Los detalles, la intensidad de los colores y el tamaño de cada figura nos da la ilusión de que el cuadro tiene profundidad. El énfasis en la obra se puede decir que está en el cuerpo de la mujer y en el ave posicionada en su cabeza. Los colores cálidos y la brillantez de éstos son los que nos obligan a enfocar nuestra atención en ambas figuras.

Interpretación

            Lo que la obra transmite es cómo la interacción pacífica entre los seres humanos y los animales es posible. El artista al incluir elementos hechos por el hombre, tal como la bandera y la vela, le da a la pintura una sensación de conexión entre las cosas materiales y las cosas vivas. La pierna de la mujer también simula una rama para las aves, en la cual ellas se paran a descansar. La diferencia de los colores y el tamaño de las aves transmite un sentimiento de confrontación entre ellas. La expresión en sus caras y la forma de su cuerpo también ayudan a resaltar esta característica. Las figuras de las flores en el cuerpo de la mujer también representan la conexión entre el mundo natural y el humano, cosa importante no sólo en la interpretación de la pintura, sino en el mensaje general de la exposición “Physis”.

Juicio

            La obra es estéticamente valiosa ya que el artista es capaz de combinar y organizar de manera efectiva los elementos del arte a través del uso de los principios artísticos. Esta característica es parte de la teoría del arte llamada “formalismo”, con la cual podemos basarnos en esta obra en específico. Es la pintura con mayor tamaño de la exposición “Physis” en el Museo MARCO, representa lo que la exposición quiere transmitir al público. La combinación de elementos nos ayuda a captar tal mensaje y interpretarlo a nuestra manera.