martes, 11 de marzo de 2014

Crítica de “Kinich Ahau” (Mayas)

Descripción
“Kinich Ahau” es el dios solar de la cultura maya, para ellos éste representa la esencia espiritual del sol. Esta escultura esta hecha de cerámica, tiene una forma vertical y se presenta sostenida por una base delgada. Su exterior está formado principalmente por tres máscaras divididas por una especie de diadema o corona, sostenidas por otra máscara en la parte de abajo la cual es diferente a las tres de arriba. Las narices de las máscaras tienen una forma cuadrada y resaltan mucho debido a su tamaño. La máscara de abajo es distinta ya que tiene los ojos más grandes, su nariz se ve más realista y proporcional a la cara y tiene orejas largas. Hay dos colores presentes en la escultura, el gris y el rojo opaco que se muestra en pocas partes de la figura. Arriba se ve una corona más completa que las de abajo y se ve que la escultura estaba pegada a una superficie ya que tiene partes de ésta a sus lados.


Análisis
La escultura del “Kinich Ahau”, debido al material con el que fue hecha, es de un color frío. Las líneas que más resaltan son las de las diademas de en medio de cada máscara, las cuales son líneas verticales que comunican un sentimiento de calma. Las líneas curvas en la escultura, las cuales representan fluidez, se presentan principalmente en la parte de arriba de las diademas, lo que parece ser la boca de las máscaras. La calidad de la superficie se ve un poco rugosa, sin embargo al observarla detenidamente no es muy clara su textura. Es un objeto tridimensional con altura, anchura y profundidad. El detalle y la colocación de las figuras nos ayuda a saber más sobre su exterior. Hay un equilibrio entre los elementos del arte presentes ya que la figura es simétrica, el lado derecho es casi igual que el izquierdo y las líneas nos ayudan a darnos cuenta de esto. El énfasis o el punto de atención son los círculos de las diademas de en medio, debido a su tamaño y su colocación con respecto a la escultura completa. Existe una repetición notable ya que son tres máscaras iguales y sólo la de abajo es distinta. Las proporciones son correctas, sin embargo el tamaño de las narices de las tres máscaras de arriba están un poco fuera de lo común, pero aparte de esto la escultura completa tiene un buen tamaño y sus partes se relacionan bien con el conjunto.


Interpretación
El mensaje de la obra es transmitir el gran poder de este dios solar a todo quien vea la escultura, el “Kinich Ahau” fue un dios muy importante en la cultura maya y por esta razón deciden representarlo de esta manera. Las máscaras están relacionadas con la fertilidad y este aspecto es esencial para la vida de los humanos. Representa también el espíritu del sol, o sea la esencia divina del sol de nuestro sistema solar, ya que es el “dador de la vida” para el planeta Tierra. Es el espíritu solar de la galaxia, su poderosa presencia espiritual situada en el centro de la galaxia. Los mayas le daban el respeto que se merecía y al hacer esta escultura, ellos son capaces de transmitirnos el significado de uno de sus dioses más importantes.


Juicio
La obra es estéticamente valiosa porque fue una figura y una deidad influyente en la cultura mesoamericana más importante, la civilización maya. La teoría del emocionalismo es la más adecuada para esta escultura porque tiene cualidades expresivas, tenía un significado muy valioso para los que le rendían culto y le ofrecían sacrificios. Cumple tanto con una función religiosa como con una estética ya que los elementos del arte presentes en ella están muy bien manifestados.


(“Kinich Ahau”)

Visita Cultural

El sábado 8 de marzo del 2014 visitamos el Planetario Alfa en el cual había una exposición en el quinto piso llamada “Antiguos Mexicanos”. En ella se expusieron principalmente piezas originales pertenecientes a las civilizaciones mesoamericanas. Vimos artefactos de los Olmecas, Mayas, Teotihuacanos, Zapotecas, Huastecos, Mexicas entre otros. Los integrantes del equipo del Planetario Alfa fueron los que se encargaron de organizar la exposición, éstos planean todo lo que se expone en el museo y supervisan que éstas salgan de acuerdo a lo planeado.


La exposición escultórica presentaba distintos artefactos que pertenecían a las civilizaciones mesoamericanas de entre los periodos 1500 a.c y 1500 d.c, esto significa que en un mismo lugar, se exponen artefactos con diferencias de alrededor de 3,000 años. Los creadores de estos artefactos fueron los habitantes de una específica civilización mesoamericana, los usaban para venerar a sus dioses, para la agricultura, escritura y el uso diario. Los materiales que usaron fueron cerámica, arcilla y barro.


Tanto los Olmecas, Mayas, Teotihuacanos y demás civilizaciones antiguas, compartían costumbres y conocimientos que las distinguen tanto de los grupos que poblaron el norte como los del sur de América, por esta razón decidieron reunir y exponer tantas culturas en un mismo lugar. Precisamente esto fue lo que más nos gustó, que abarcan una gran variedad de temas y cubren un periodo muy largo. Nos gustó que expusieran lo más importante de cada civilización y la forma en la que la exposición estaba organizada nos ayudó a ubicarnos en un periodo histórico y en los aspectos que analizábamos. Esto nos ayudó a comparar las culturas entre sí y ver en qué se parecían y cuáles eran sus diferencias.


Las características artísticas que se presentaron en la exposición son principalmente como el exterior de cada artefactos y escultura se relaciona con su propósito. Cada escultura tenía un nivel de detalle complicado, sin embargo al estar hechas de obsidiana y barro, era difícil detallarlas mucho. Debido a los materiales que usaron, el color no es un aspecto que resalte mucho en la exposición. Las esculturas tienen todo tipo de líneas, dependiendo de lo que representaban, estaban las líneas trazadas. Al ser elementos tridimensionales, éstos tienen una textura real, que depende del material del cual están hechos, asimismo tienen una forma específica la cual ayuda a transmitir su mensaje. Tienen altura, anchura y profundidad y estos aspectos le dan un balance o equilibrio a la escultura, la mayoría son simétricas pero también se aprecian otras asimétricas. Tienen una proporción correcta aunque en pocas obras se exageran algunas de sus partes pero en general todas son proporcionales con el conjunto. Las más detalladas eran las esculturas de sus dioses. Aunque no eran de gran tamaño, cada una de ellas tenía una representación que se plasmaba en su exterior.


La metodología más conveniente para hacer nuestro análisis es la crítica, cada escultura está tallada y moldeada de acuerdo al propósito que debía cumplir o al mensaje que debía transmitir, por lo tanto cada uno de sus partes debe ser analizada para saber el significado de ellas. Al analizar su exterior podremos llegar a comprender una parte esencial de la cultura a la que pertenece y descifrar su intención. El resultado de nuestro análisis fue que las esculturas presentes en la exposición cumplen con funciones tanto religiosas como estéticas ya que para las civilizaciones mesoamericanas, estos artefactos y figuras formaban parte de su vida cotidiana, pero ahora éstas nos sirven no sólo para saber más sobre cada civilización sino para analizar los elementos del arte presentes en cada una de ellas y relacionarlos con su propósito.
Fotos






Virgen con el Niño



DESCRIPCIÓN 
Existen varias pinturas de la virgen con el niño, todas tienen el mismo tema, pero a la vez son diferentes. En este blog se va a describir la siguiente pintura de la época medieval. La pintura la virgen con el niño fue pintada por Lorenzetti en el año 1319, o sea en la época de la Edad Media (época teocentrica). Se puede observar que la virgen María esta viendo cariñosamente al niño con cuidado y amor. Como en esta época la religión era lo más importante todo lo relacionado historia, arquitectura y arte tiene una cercana relación con la religión. 

ANÁLISIS
Los elementos del arte que se pueden ver en la obra son el color, líneas y forma. Los colores que denominan la obra son el marrón y el café. Se pueden observar muchas líneas, por ejemplo en el rostro, que expresan ternura. También se pueden ver líneas en el cuello, que expresan tensión en el niño. Esos contraste de líneas entre Virgen tranquila y el niño tenso deja una gran curiosidad sobre que esta pasando, ¿por qué la virgen tranquila y el niño tenso? La forma de la pintura es bidimensional. Otras cualidades presentes en la obra son equilibrio y proporción.

INTERPRETACIÓN
Se puede interpretar que esta pintura fue hecha en la época medieval, durante la cual predominaban los temas religiosos. Se puede visualizar como esta pintura toma lugar en una sociedad teocéntrica, en donde la devoción era muy importante y la iglesia posee un poder político muy fuerte. La iglesia trataba de minimizar al hombre para darle poder a Dios y cualquier castigo que alguien merecía o simplemente cualquier decisión importante era impuesto por la iglesia, no por un gobierno


JUICIO
La obra se puede considerar como estéticamente valiosa porque impuso un estilo artístico y se pueden localizar muchos elementos del arte y puede sustentarse por una teoría. La teoría del “Emocionalismo”, es la que sustenta esta obra, ya que hay cualidades expresivas que son la comunicación vívida de estados de ánimo sentimientos e ideas. Esta pintura posee muchos sentimientos como la felicidad, alegría pero al mismo tiempo representa una situación tensa, la cual provoca curiosidad en los espectadores. Es por eso que podemos considerar que la obra es estéticamente valiosa.



Catedral de Bruselas

Crítica del Arte - Catedral de Bruselas

La Catedral de Bruselas, construida por Jan van Ruysbroek, es una pieza de arquitectura gótica, situada cerca de la Estación Central de la ciudad. La también llamada Catedral de Santa Gúdula y San Miguel, empezó a construirse en el año 1226 y se concluyó en 1500.

Descripción
Esta bella catedral cuenta con una fachada, con tres pórticos y dos torres de 60 metros de altura, al igual que la de Notre Dame. Es el estilo gótico brabante el que le da la impresionante luminosidad y esplendor a la catedral, la cual es muy detallada y está finamente trabajada. Esto también se debe al material con el que está construida la catedral, piedra caliza arenosa de Flandes, que facilita los trazos delicados y la ornamentación. El estilo gótico se encuentra reflejado principalmente en las formas góticas clásicas, que tienen perfecta proporción con la gigantesca catedral de Bruselas, que mide 110 metros de longitud, 50 de ancho y 26.5 de alto.

La bóveda que cruza la nave, marca claramente una división dentro de la catedral. El espacio interior se encuentra dividido por doce columnas redondas y a lo alto hay numerosos vitrales.

Destrucción: Durante la Edad Media hubo un debate entre grupos de diferentes religiones, los iconoclastas destruyeron la mayoría de los altares, pinturas y estatuas. La capilla de Santa Gúdula también fue parcialmente destruida. Ella era descendiente de la nobleza carolingia.

Análisis
Existen distintos elementos de arte que se pueden considerar para analizar el exterior al igual que el interior de la obra arquitectónica. El color exterior utilizado en la Catedral de Bruselas es claro, mismo de la piedra caliza con la que se construyó. Las líneas son verticales, representando fuerza y también hay líneas diagonales, en los arcos apuntados. La forma y el espacio son ambos tridimensional, ya que es una pieza arquitectónica, que tiene altura, anchura y profundidad. La catedral posee distintas cualidades de arte que se relacionan a la vez con los elementos anteriores. El balance de la catedral es simétrico, ya que la mitad derecha es igual a la mitad izquierda y se puede distinguir porque hay un equilibrio de las líneas en ambos lados. La catedral tiene elementos similares como líneas y texturas que crean armonía. La proporción de las figuras religiosas que se encuentran dentro de la catedral son correctas en tamaño y forma y van de acuerdo con el espacio.

Interpretación
Esta catedral tiene grandes dimensiones, pues las dos torres son de 60 metros y el resto de la catedral 26. Estas grandes alturas hacen ver al hombre muy pequeño en comparación a Dios. Los majestuosos vitrales representan historias de las familias de los reyes y de los duques que gobernaron Brabante. Estos vitrales, que causan luminosidad, significan que Dios es la luz y el camino. Los diferentes arcos apuntados dentro de la catedral también simbolizan el camino hacia Dios. Finalmente, el mensaje general de la obra es la grandeza de Dios y la religión, ya que durante la Edad Media eso era lo más importante y por eso las piezas arquitectónicas están trabajadas tan delicadamente.

Juicio
La Catedral de Bruselas se considera como estéticamente valiosa porque además de ser una obra bellísima, cumple con dos teorías de arte: Formalismo y Emocionalismo.

Cumple con la teoría de Formalismo por la gran organización de los elementos de arte. La catedral cuenta con elementos como líneas y formas que actúan de manera efectiva con las cualidades del arte como balance simétrico, armonía y proporción.

Al mismo tiempo, cumple con la teoría de Emocionalismo por lo que la catedral en sí expresa y el mensaje que contiene. La gran altura, la luminosidad de los vitrales y los arcos causan sentimientos e ideas de los que la visitan. La sensación de que el ser humano es muy pequeño frente a Dios, y que Dios siempre es el camino son algunos sentimientos que se pueden percibir dentro de La Catedral de Bruselas.